Cine

Más que una melodía, una conclusión

Las bandas sonoras de las películas son en gran parte responsables del recuerdo que nos queda en la mente mucho tiempo después de haberlas visto. Esto sin mencionar la emoción que incita mientras las vemos, que es, a la larga, su función principal.

En este artículo nos ocuparemos de reseñar algunas de las canciones utilizadas para producir una huella imborrable en nuestra memoria. No se incluyen bandas sonoras de musicales por razones obvias.

El primer grupo de bandas sonoras que han logrado trascender la escena en que se recrean para ser parte de la cultura popular y del recuerdo colectivo fue escogido con base en el momento en que aparecen en la película, en esta ocasión en los créditos finales. A su manera cada una tiene un significado en la atmósfera que debe crear o concluir y creo que por la manera tan interesante en que están incluidas en la parte final de la película merecen una mención.

Estas canciones que los directores eligieron para cerrar la historia, son composiciones que justifican su lugar en el filme al generar emociones y, de alguna manera, concluir la historia que acabamos de ver. En dos de los casos fueron composiciones originales para las películas y en los otros dos fueron un cover.

 

Título: THE WRESTLER

Intérprete: BRUCE SPRINGSTEEN

Película: The Wrestler

Las cualidades técnicas experimentales, sobre todo en el manejo de las cámaras, de The Wrestler le dan un ambiente visceral y rústico que es acompañado por las excelentes actuaciones de Evan Rachel Wood, Marisa Tomei  y sobre todo de Mickey Rourke como Randy “The Ram” Robinson, pero de esos detalles nos ocuparemos en otro artículo.

La cuestión es que al final de la película, cuando Darren Aronofsky nos entrega un final de esos a los que ya nos tiene acostumbrados, comienza a sonar en lo profundo del silencio que deja la conclusión de la película un sonido muy parecido al del viento con toques de piano al parecer puestos al azar y que se ve interrumpido de manera armoniosa con los acordes de la guitarra de Bruce Springsteen (y los créditos) quien de inmediato lanza la primera de las 4 preguntas retóricas que hace a lo largo de la canción: Have you ever seen a white trick pony in the field so happy and free? y continua: If you ever seen a white trick pony then you’ve seen me.

Estas, más allá de ser preguntas, son escenas de la más triste naturaleza que inmediatamente nos llevan a reflexionar sobre el personaje interpretado por Rourke y nos ayuda a cerrar el ciclo emocional.

The Wrestler es una de esas canciones que deja a todos pegados a la silla aun cuando los créditos van por las locaciones y los agradecimientos y sin duda nos hace entender mejor el personaje principal esta obra de arte que lejos de buscar conmover con escenas cuidadosamente diseñadas y fotografiadas o con diálogos sentimentales, nos conmueve con nada más que la realidad expuesta de la forma más cruda posible.

La conclusión de esta realidad en la que nos sumergimos por casi dos horas la tiene Bruce Springsteen en The Wrestler, una canción en que presenta lo miserable que puede llegar a ser la fama y que fue ganadora de mejor canción original en los Golden Globe 2008 e injustamente no tenida en cuenta por los Oscars.

 

Título: VINDICATED

Intérprete: DASHBOARD CONFESSIONAL

Película: Spiderman 2

Supongo que la etapa de luz y de ser directamente un reflejo explicito de lo que leemos en los comics para posteriormente ser un personaje oscuro y misterioso, lleno de conflictos humanos que se reflejan en sus dos vidas, es una de las etapas por la que tiene que pasar los superhéroes.

Lo hemos visto con El Llanero Solitario, Superman y más recientemente con Batman.

El caso es que Spiderman fue un adelantado en este sentido ya que desde el comic y las caricaturas siempre tuvo problemas para relacionarse y dejar que su lado humano aflorara en su superhéroe.

Si me preguntan, en mi humilde opinión Sam Raimi pudo haber explotado ese factor de una mejor manera en las tres películas de Spiderman que tuvo a su cargo. No fueron grandes filmes, pero una referencia obligada en el mercado del entretenimiento más puro. En la segunda entrega de Spiderman vemos cómo esos conflictos afloran cada vez porque los valores y sentimientos de Peter Parker son puestos a prueba por los valores y sentimientos de Spiderman, esto se ve reflejado en la escena del dialogo con Mary Jane acostados una telaraña gigante ¿romántico cierto?

Lo que sucede después cambia la relación, pero el conflicto base no ha sido superado.  Con los créditos llegan cuatro segundos de guitarra en crescendo e inmediatamente el resto de la banda con una fuerza que es especialmente percibida en la batería, al poco tiempo la música baja la intensidad para dar paso a la letra en la que hace una metáfora muy conveniente y acertada de la esperanza que Peter no ha perdido, pero de la que todos sabemos no es para nada confiable. El coro no es más que un reflejo del conflicto de Peter/Spiderman y al igual que la película al final nos deja la impresión de que fuera de todos los problemas, lo mejor es vivir el presente.

Dato Curioso: La locación del video musical es el reactor del Dr. Otto Octavius.

 

Título: I WILL ALWAYS LOVE YOU

Intéprete: WHITNEY HOUSTON

Película: The Bodyguard

En toda la historia del cine, The Bodyguard ha sido una de películas que más se ha relacionado con su banda sonora. Sin embargo, y contrario a la creencia popular la versión de Whitney Houston de "I Will Always Love You" es un cover de la canción original de Dolly Parton lanzada en 1974 y que fue incluida (y cantada) en la banda sonora de la película homónima en la que Parton era protagonista. Con esto debo decir que, si muy pocas personas saben esta historia, es porque el trabajo que hizo Houston con esta canción casi sepultó en el olvido la versión original.

Ahora bien, una buena versión de una canción por si sola no tiene mayor importancia si no es por el momento en el cual se ubica dentro del filme y, como muchos recordarán, Mick Jackson, director del filme, decidió ponerla en los últimos momentos de The Bodyguard aprovechando los trucos de edición para no dejar escapar las emociones y separar (bien separados y para siempre) a los dos protagonistas.

Después del adiós, Withney comienza a cantar la canción a capella, dejando claro que va a seguir pensando en su enamorado cada paso del camino. Lo que viene, a pesar de los cursi y simple que puede parecer hoy en día es una de las escenas clásicas del cine en las que explícitamente se nos entregan detalles del destino de cada protagonista y en el que el director nos hace un guiño de la función de Frank Farmer (Kevin Costner) cuando en medio de la oración el sacerdote concluye “guiding and protecting us”.

La manera en que aparecen los créditos no deja lugar a dudas o aun a esperanzas para la pareja y supone uno de los finales más conmovedores en su composición técnica (edición, musicalización, juego de cámaras, actuaciones…) y en la manera en que entrega el mensaje.

La frase “I will always love you” es cantada con tanta fuerza (y repetida tantas veces) que logra reconfortarnos un poco frente a la certeza de que Frank está en su siguiente trabajo y que Rachel (Whitney Houston) debe seguir su vida de artista. Lo que viene de ahí en adelante es mirar alrededor y esperar que no seas la única persona en la sala de cine con lágrimas en los ojos.

 

Título: IT TOOK A LONG TIME

Intérprete: LABELLE

Película Precious: based on the novel Push by Zapphire

Para concluir con esta primera entrega correspondiente a las más memorables bandas sonoras en los créditos de películas, les tengo uno de los finales más humanos y desafortunadamente realistas que he visto. Se trata de la película Precious: based on the novel Push by Zapphire.

Esta película refleja un drama tan escatológico que en lugar de conmovernos, nos hace reflexionar tomando como referencia la vida C. Precious Jones, una adolescente sin ningún motivo para ser diferente, pero que sin embargo lo intenta.

Las actuaciones de esta película son completas, desde la caracterización hasta las elecciones léxicas nos transportan a un mundo oscuro que contrario a lo que se supone no esta tan lejos de nosotros. Gabourney Sidibe fue nominada a los Golden Globe y a los Academy Awards por su actuación, mientras que Mo’Nique ganó el Oscar a mejor actriz de reparto.

La escena final es tan real que ha sido duramente criticada por la influencia que esta adaptación del 2009 puede tener sobre los espectadores que se identifican con esta historia. La conclusión no es para nada feliz, pero es tan esperanzadora como puede ser. Precious pasa a octavo grado, se libera de sus yugos mentales y humanos pero los hechos que marcaron su vida y sus consecuencias no pueden ser obviados.

Precious, junto con sus dos hijos (tiene 16 años) sale de la oficina de atención al ciudadano en donde le brindaron la ayuda necesaria para superar sus miedos, mientras comienza a sonar la canción “It took a long time” de Labelle lanzada originalmente en 1974, que refuerza las últimas palabras que le dijo a su madre y resumen, en esencia, el guión de la película. Así como el carácter de Precious cambió a lo largo de la película, las frases de los coros y el piano crecen para darle una intensidad final que no logra alejarnos del drama, sino que nos invita a acercarnos de una manera más personal y ¿por qué no? a llorar también por todas las Precious a las que se refiere en el epítome final.

¿Cuál se quedó por fuera de la lista? Opinen en la sección de comentarios.

Rodrigo A. Rodríguez Fuentes: Licenciado en Lengua Castellana e Inglés, especialista en enseñanza del inglés y candidato a Magister en Educación de la Universidad del Norte. Ha sido ponente en varios eventos académicos nacionales y más recientemente en la Cátedra UNESCO Latinoamérica 2011. Actualmente se desempeña como docente en la Universidad del Norte y administra un blog en el que se comparten opiniones de cine, música y literatura.