Sábado, 20 de ene de 2018
Valledupar, Colombia.

En la galería ‘La Escuela’ de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del Atlántico se presentó la exposición ‘Líneas en el Tiempo’, un consenso creativo y cultural donde confluyen 39 visiones diversas de artistas originarios de los departamentos del Cesar, La Guajira, Atlántico, Magdalena, Bolívar, Córdoba y de la ciudad de Cali.

Dentro de esta muestra, las banderas de la plástica cesarense está presentada en ocho reputados artistas que fueron seleccionados dentro de aproximadamente 360 personas que se presentaron en la convocatoria realizada por el programa ‘Colombia Creativa’ del Ministerio de Cultura en alianza con la Universidad del Atlántico para profesionalizar a los artistas empíricos del país. Son ellos: Ingrid Guillot, Orieta Fajardo, Jorge Luis Serrano, José Luis Molina, José Aníbal Moya Armando Iguarán, Jair Alfonso Maya y Ricardo González.

La convocatoria buscaba reunir a aquellos artistas colombianos de todas las áreas que certificaran más de diez años de trayectoria para iniciar un proceso académico que les permitiera titularse en una carrera profesional. Para las artes plásticas, el proceso es certificado por la Universidad del Atlántico, claustro  educativo que después de realizar varias pruebas para validar la experiencia de cada uno de los postulantes, hizo una homologación para luego de dos años y medios de clases les otorgarles el título de ‘Maestro en Artes Plásticas’.

El proceso educativo, así como la curaduría de la exposición ‘Líneas en el tiempo’ es liderada por el docente investigador Darío Rocha Jiménez; quien refiere en su texto curatorial que “con estas nuevas miradas, los estudiantes afrontan su creación desde otras visiones  donde fundamentar sus expectativas, creencias y reflexiones desde la investigación en arte, analizando los hechos sociales, culturales y artísticos de su contexto, mientras repiensan y recrean las maneras como se transita por las visualidades de inicio de siglo sin perder sus esencias”.

‘Líneas en el tiempo’ fue una presentación de cierre de semestre donde se mostró el pasado 11 de febrero, el trabajo realizado por los artistas en formación; 39 obras hechas en técnicas y formatos diferentes: vídeo artes, instalaciones, pinturas, fotografía, esculturas y  dibujo expandido, artesanías, etc.

En el salón de clases nació la propuesta de realizar una itinerancia por  los lugares de donde provienen los 39 artistas participantes, por el momento solo los estudiantes de Barranquilla han tenido la oportunidad de presentar sus creaciones en su ciudad natal.

Los ocho artistas del Cesar iniciaron gestiones para que se incluya a Valledupar dentro de esa gira, por lo cual hicieron un primer contacto con el señor Miguel Morales, director de la casa de la cultura. Sin embargo, reconocen que existen varias dificultades para hacer esta idea posible pero que la idea es realizable, entre ellos los altos costos del  traslado de la exposición y que en la ciudad no existe un lugar lo suficientemente espacioso y con las adecuaciones para este tipo de muestra.

Los artistas y sus creaciones y expresiones

Ingrid Guillot

“Mi obra se llama ‘Mujer en silencio’, es una serie de tres dibujos computarizados. Se llama así porque soy mujer, manejo la realidad de la mujer y no soy ajena a ella a pesar que la vida me ha dado la oportunidad de ser artista plástica. Miro con mucha tristeza la situación de la mujer musulmana, ellas no pueden hablar.

Dentro de mi proceso de producción para hacer esa obra, investigue y encontré que en la propia biblia se nos manda a silenciar, se nos manda a aprender en silencio y nosotros tenemos un peso enorme sobre nuestros hombros de parir la vida, de cuidar el hogar, cuidar la pareja, a los hijos y además, somos tías, abuelas, etc. He visto otras culturas como la wayuu donde la mujer tampoco habla mucho, igual sucede con la mujer arhuaca”.

Orieta Fajardo

“‘Des-composición’, así titulé mi propuesta en la cual intervengo una fotografía. Es una panorámica del río Guatapurí, no es común, no es tipo de fotografía en el cual se toma un ángulo y ya. Recrea mi preocupación sobre el descuido generalizado con las fuentes hídricas y el tema de la sequía. En ella el río se ve completamente lleno de piedras. En la parte inferior de la imagen hay otra composición, un juego de tonos  y de secuencias que  forman la misma fotografía pero en diferentes colores.

Participé en la convocatoria por la titulación. Soy docente y es importante porque algunos colegios lo exigen. Me gustaría también concursar para trabajar en colegios públicos para tener mejor estabilidad. Como artista, me ayuda en mi formación, a hacer nuevas propuestas, a hacer cosas que no había hecho anteriormente  en la escuela”.

Jorge Luis Serrano

“Yo me arriesgué esta vez, venía haciendo grabados  y dibujos de forma muy tradicional. Me atreví a insertar las dos técnicas en un maniquí que está relacionado con el ser humano y su sexualidad, a cerca de esos patrones que ha instituido la sociedad de cómo debe ser el sexo y qué pasa con aquellos que no cumplen con dichos patrones, que miran hacía un lado y hacía el otro, esa fue mi propuesta ‘Cuerpos/Cerebros’. Resultó interesante, no fue grotesca, más bien muy sutil y estética.

Con respecto a la experiencia con el programa, sentí la necesidad de tener el título y no tengo ninguna objeción en cuanto a mi capacidad como artista, estoy convencido de mis capacidades pero es necesaria la titulación. Nos pusimos a consideración de la universidad y pasamos todos esos criterios de selección. En ella nos enseñan metodología, pedagogía y todos los procesos en los cuales tenemos que contrastar nuestra propuesta artística para que pudiera ser presentada en la exposición. Es similar a lo que veníamos haciendo pero ahora tenemos que encajarlo en los criterios de la universidad”.

José Luis Molina

“Yo participé con la obra ‘Autorretrato’, está hecha en técnica mixta. Los materiales que se utilicé fueron acetato, pintura de aceite, esmalte, acrílicos y oleos. En la parte de atrás hay un personaje, es una superposición de pintura.  Lo que quise hacer fue algo similar a lo que hizo el señor Rembrant con su autorretrato y ponerme en la misma posición. Estoy jugando con la idea de que la pintura es una tradición, que hay unos maestros y a pesar que esto es completamente diferente a una pintura que se pudo haber hecho en el Barroco, en el caso de Rembrant, se continúa, hay una línea. Eso fue lo que quise manifestar.

En la obra hay una serie de cortes que fueron sugeridos por el tutor. El trabajo realmente era mucho más grande, el profesor cuando lo vio, sugirió que se podía partir, rasgar, para buscar otros elementos plásticos dentro de la obra para que fuera más allá de la simple pintura. Eso fue lo que hice, agarré el trabajo, rasgué, partí y este es el resultado final de ese trabajo.

Yo pienso que el mundo del arte está cambiando y hay que conocer nuevos lenguajes para comunicarse con la contemporaneidad. Siempre he pintado y uno tiene que salirse de esa zona de confort en la que se encuentra y explorar otros lenguajes que nos brinda la contemporaneidad y la universidad puede brindarnos eso, otras herramientas, otras visiones, ya si uno las sabe implementar o no, es cuestión de cada quien”.

José Aníbal Moya

“Mi obra trata el tema de siempre, solo que esta vez se convierte en un ejercicio donde utilizo una fotografía y empiezo a intervenirla. Más que todo lo que estoy haciendo ahora es un trabajo que cualquier estudiante de arte en una escuela pudiera estar haciendo en una situación como la mía; obedeciendo a esa parte de lo que es profesionalización y volver a estar dentro de un aula de clases pero del otro lado; estoy en ese proceso de desaprender.

Entonces, me someto a un ejercicio práctico con la pintura y con los elementos que he tratado siempre pero que esta vez lo hago en forma de prueba, en forma de ejercicio. Es el producto final de la clase de investigación, esta obra que se titula ‘Mapas de cielo’ y ‘Mapas de la tierra’ son dos trabajos en pequeño formato.

Soy el tipo de artista que para mantenerse como artista, vive de la docencia. Soy profesor universitario y hasta este momento la universidad me exige una documentación que debo tener como profesional y no la tengo, lo único que tengo es una tarjeta profesional. Necesito esa titulación porque me va a permitir esa estabilidad laboral como docente en la universidad donde trabajo.

Los términos de esta profesionalización me aportan nuevos conocimientos. De pronto, el que se está dando ahora en las universidades es muy diferente al que vi cuando estudié artes plásticas en la escuela de Bellas Artes de Cartagena, que fue algo muy técnico. Ahora lo que me brinda la Universidad del Atlántico en su facultad es una  nueva mirada al arte que se hace ahora y una forma de presentar los proyectos y la misma obra ante el público de hoy; por eso le apunté a ese proceso”.

Armando Iguarán

“Mi obra lleva por título ‘Procesión’, es un conjunto de piezas de siete pinturas expandidas, los cuales forman en una pared de 4 metros x 3.80 metros. Es una obra de técnica mixta, tiene óleo, acrílico, aplicaciones en dorado y barniz.

Para mí el sistema de formación como academia adoptado por el programa es muy bueno. Tenemos unos profesores de alto nivel y estamos viviendo experiencias nuevas, por ejemplo, nos dan una materia de cine, así como otras asignaturas donde aprendemos a elaborar proyectos adecuadamente y hasta a escribir  ensayos.  

El sistema encaja perfectamente en la palabra ‘profesionalización’ porque nos enseñan a para ser artistas integrales, eso es lo que buscan ellos, y por supuesto, avalar ese título con un soporte de técnicas y de procesos académicos que realmente estábamos necesitando”.

Yair Maya

“La propuesta que presenté es un ensamble que se llama ‘Las casas’, es una obra totalmente espiritual; en ella utilizo como esquematización unas casas elaboradas en cartón y lo que hago es ubicar en sus paredes, una serie de dibujos, unos rostros que personifican la agonía del ser humano.

Yo lo que hago es una simbología que nosotros los seres humanos lo que realmente necesitamos es a Dios para que nuestras vidas sean cambiadas y así poder llegar al lugar eterno que es la vida que él nos ofrece a través del señor Jesucristo.

Mi experiencia dentro de la universidad me ha parecido bien particular. Iba con una cantidad de ideas y se me ha ido abriendo la visión de lo que realmente quería y de lo que estaba soñando  en mi taller aquí en Valledupar”.

Ricardo González

“Realice un performance que se llama ‘El viaje del arte’, en esa obra hago referencia al proceso que hemos tenido los que estamos yendo a estudiar desde Valledupar y toda la zona Caribe llegando cada mes a Barranquilla, con el deseo de seguir adelante.

He conocido las historias de todos los compañeros y son similares a los de nosotros aquí. En la muestra se puede ver como el arte viaja dentro de todos los departamentos y va mostrando a través de una proyección, la cultura de cada región. Esa es la expresión que mostré en la exposición.

Me entristece porque no pude asistir a la presentación por falta de recursos económicos  y tuve que enviar la propuesta en  un vídeo, no era la finalidad porque el performance es en vivo y también efímero. Por esa razón, estamos tocando puertas a entes públicos y privados para que no se pierdan esas cosas que son esenciales para uno como artista”.

 

Samny Sarabia

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