Artes plásticas

“El artista debe pintar con el alma”: Baldot

 

Aprovechando la celebración de los carnavales en la Costa Caribe colombiana, se presentó en el auditorio ‘Leandro Díaz’ de la Cámara de Comercial de Valledupar, la exposición ‘Vía 40: gritos de carnaval’ del pintor Uvaldo Antonio Torres Rodríguez, conocido como ‘Baldot’.

El pintor, natural del barrio San Joaquín de Valledupar, hijo de doña Emilse Rodríguez Castilla;  una valenciana con padres cañaguateros y de Uvaldo Torres Berrio oriundo de San Onofre, Sucre, quiso transportar hasta la capital del Cesar, la alegría desbordante de la gran avenida barranquillera durante las fiestas carnestolenticas.

En una colección de 24 obras realizadas en un proceso de varios meses y una más hecha frente al público asistente a la presentación, se abrió al público una muestra cargada de colorido que manifiesta la furia y la euforia representativa del carnaval. La exposición contó con la curaduría del artista plástico Jorge Luis Serrano. 

¿Qué diferencia tiene esta exposición con la presentada hace tres años?

‘Gritos de carnaval’, la que presenté anteriormente, hacía referencia al carnaval universal; representaba el grito africano hacía la libertad cuando teníamos esas amargas vidas. Entonces, hice alusión a expresiones de carnaval a nivel mundial teniendo como esencia a esa África.

Lo que quedó plasmado en esas manchas de colores fue el rostro de las tribus del continente africano, las cuales se pintan para la guerra o para un baile. Aquella muestra fue más universal.

Esencialmente, ¿qué encuentran las personas en ‘Vía 40: gritos de carnaval’?

La actual exposición está enmarcada solo en el Carnaval de Barranquilla. Como puedes ver, se encuentran a los personajes típicos de ese carnaval: María Moñito, marimondas, los negritos de Santa Lucía,  congos, toritos, las tiradoras de piedras y demás expresiones artísticas, dancísticas y folclóricas del departamento del Atlántico. Todo eso se encuentra en la Vía 40 durante el carnaval de Barranquilla.

Se observa que la mayoría de las obras son muy figurativas pero la de mayor tamaño es abstracta. ¿Qué simboliza?

Sí, hay una combinación de arte figurativo y de abstraccionismo. La obra más grande a la que haces referencia, simboliza esa espiritualidad a la que pasa el ser humano cuando termina el carnaval. Es una transición de lo mundano a lo espiritual.

Con los pincelazos en azules que se observan quise reflejar lo divino, lo celestial y esa búsqueda de una reflexión religiosa aunque la obra no deja de tener el colorido del carnaval.

En el evento de inauguración de la exposición realizó un performance pintando con unos guantes de boxeo ¿Cómo configuró esa idea?

Es un tema que venía pensando desde hace cuatro años cuando inicié esta trayectoria del arte. Yo veía mis guantes abandonados y pensé en pintar con ellos, quise intentarlo, les puse pintura y me fui a la pared pero me golpeaba mucho las manos; es bastante difícil.

Más adelante fui avanzando en la búsqueda de los colores y del equilibrio porque el arte para mí es equilibrio; debe tener un volumen, una jerarquía y muchos otros elementos. Eso lo he ido aprendiendo porque soy empírico, nunca he estudiado arte.

En noviembre pasado, un amigo me llevó un vídeo de un boxeador italiano haciendo algo similar y me volvieron las ganas de intentarlo nuevamente, aunque lo que él hace es diferente a lo que estoy haciendo. He tenido experiencia en lo figurativo y creo que me salió esa obra que tenía dentro, era un sueño mío insistir en boxear a pesar de mi edad pero lo que creo ahora era que iba a pintar con los guantes. Soñaba que estaba boxeando y, de repente, eso me ayudó a hacerlo de nuevo y creo que con la experiencia del equilibrio del color pude manejarlo mejor.

Es más que todo, una rebeldía por querer a hacer algo diferente, es una rebeldía contra lo académico porque en el arte todo el mundo puede expresarse diferente, en la manera que podamos hacerlo.

¿Cómo es su historia en el boxeo?  

Mi historia en el boxeo amateur inició más o menos a los 18 años de edad al lado del profesor Manuel Prescott. Con él duré aproximadamente siete años en las ligas de aficionado, pertenecí a la Liga de Bogotá y la Liga del Cesar. Profesionalmente, peleé a nivel internacional en Argentina, Venezuela, Panamá, España, Brasil, México, Curazao y en otras partes del mundo.

Fui campeón centroamericano y suramericano en el 2000 en San Andrés Islas. En el 2002 me retiré cuando tuve a mi hija Paula Andrea que nació con problemas de audición y eso me llevó a dedicarme más a mi hija que al sueño de ser campeón mundial. Escogí a mi familia por encima del boxeo, decidí dedicar mi vida a mis seis hijos.

La última pelea la hice en el 2002 en Esmeraldas, Ecuador. Manejé cuatro o cinco pesos en el boxeo, a lo último quedé en el peso ‘crucero’ que es solo para varones y permite hasta 90 kilos de peso a nivel profesional. Duré aproximadamente 15 años dedicado al boxeo.

¿Cómo se da la transición del boxeo a la pintura?

Después que me retiré del boxeo, me dediqué a comercializar mercancía desde Panamá, más que todo, vendía ropa a los amigos y conocidos porque tenía necesidades y debía multiplicar el dinero que gané en las peleas.

Generalmente, los boxeadores se originan de familias de bajos recursos económicos, así que todo el tiempo me dediqué a ayudar a mi mamá y a mis hermanos, tuve que hacer de todo porque no estudié y es como nos toca para ganarnos la vida.

Un día conocí a Carlos Julio Márquez ‘Kajuma’ y me aconsejó que comprara arte y así empecé a interesarme por el tema. Cuando viajaba compraba algunas piezas de pintores locales, nacionales e internacionales. Cuando me dediqué por completo al comercio llegué a comprar más de 300 obras, sobre todo de Kajuma a quién compré más de 100 piezas.

Un día me decidí a venderlas porque necesitaba dinero. En ese proceso me preguntaban qué significaba y no sabía qué decir porque algunos pintores tampoco me explicaban, no me hablaban de la obra. Da la casualidad que fui a Venezuela a vender una y me decían que era una copia  de algo que habían visto en internet y eso me molestaba, me hacía sentir incómodo.

Después empecé a investigar y a practicar, a expresar lo que sentía en mi alma y a lo que me llevaban mis manos y apareció la obra abstracta ‘Alma africana’ que presenté en Cumaná hace unos años. Cuando inicié me preguntaba que porqué hacía esas pinturas con esos colores y con esa exactitud a pesar de ser solo unas manchas y una curadora uruguaya me dijo que yo era alma africana y me escogieron para hacer esa primera exposición.

Desde ese momento pienso que el artista debe pintar con el alma, hay que hacerlo a través de algo que se sienta, vea o se viva. La primera obra que hice se llama ‘Grises del alma’, y fue así, recogí todas esas cosas que llevaba dentro las plasmé en un lienzo. No fue hecha al azar.

Siempre he dicho a los pintores como a los compradores que el arte es una inversión, que se hace con mucho respeto e investigación. Ahora que estoy de pintor tengo que investigar mucho para poder pintar.

 

Samny Sarabia

@SarabiaSamny